Voici une liste des 20 meilleurs tableaux de Frida Kahlo. Quel est ton préféré ?
“Chaque (tic-tac) est une seconde de vie qui passe, s’enfuit et ne se répète pas. Et il y a tellement d’intensité, tellement d’intérêt, que le problème est seulement de savoir comment le vivre. Que chacun résolve comme il peut.”

Les meilleures peintures et tableaux de Frida Kahlo

Les peintures de Frida Kahlo, en plus de ses phrases, recettes, lettres et photographies, nous parlent à l’oreille pour nous raconter des histoires de Frida elle-même, de ce qui s’est passé dans sa vie tumultueuse, pleine de déceptions, d’infidélités et d’injections. Et bien sûr, ils nous parlent d’un Mexique en voie de se retrouver, blessé et “vide” par la Révolution, en lutte constante contre l’influence américaine et corrompu de l’intérieur.

Nous avons beaucoup parlé de la femme avec les fleurs sur la tête, les cœurs exposés, les sourcils proéminents et la colonne vertébrale endommagée. L’artiste mexicaine par excellence a servi de référence non seulement à l’art mexicain, mais aussi aux mouvements féministes du monde entier, grâce à ses multiples facettes et à ses sentiments à la surface.

C’est pourquoi nous partageons avec vous une liste des meilleurs tableaux de Frida Kahlo, quel est votre préféré ?

Le bus

Peint en 1929, le tableau montre la diversité des classes sociales au Mexique à bord d’un bus : une ménagère avec son panier à provisions, une ouvrière vêtue d’un bavoir bleu, une mère indigène allaitant son bébé, un enfant, un “gringo” capitaliste et une jeune fille qui ressemble beaucoup à Frida. Certains érudits de l’artiste affirment qu’il pourrait s’agir d’une référence à l’accident de Frida en 1925, dans lequel elle a subi de graves blessures qui ont marqué sa vie et sa carrière. La même année, l’autobus dans lequel se trouvait Frida s’est écrasé bruyamment et une main courante a heurté la poitrine de Frida. Ce jour-là, un homme au plastron bleu retira sa main courante, lui sauvant la vie, tandis que la poussière d’or qu’un “gringo” apportait avec lui se répandait sur le corps nu et saignant de Frida.

Diego et Frida 1929 – 1944

Frida a peint ce double portrait en 1944, comme cadeau pour Diego à l’occasion de son quinzième anniversaire de mariage. Les dates marquent les années de mariage, à l’exception de la période de 1939 à 1940 où ils ont été séparés. Les branches des feuilles rejoignent les visages des maris qui sont montrés comme différents côtés du même visage. La relation des époux est réitérée avec la lune et le soleil, la coquille et le pétoncle.

Autoportrait avec costume de velours

C’est le premier autoportrait de Frida. Peint en 1926, c’était le cadeau pour son petit ami et camarade de classe, Alejandro Gómez Arias, qui avait mis fin à la relation amoureuse. Frida lui a donné ce portrait avec lequel elle espérait retrouver son affection, qui a fonctionné parce que le couple s’est réconcilié.

Autoportrait avec collier d’épines

1940. Dans ce tableau, Frida est placée au centre du tableau pour renforcer sa présence. Souligne le fait qu’il a tendu la couronne d’épines du Christ et la porte comme un collier, avec un colibri mort simulant le sourcil de Frida. Sur son épaule gauche il y a un chat noir qui semble traquer le cadavre du colibri ; sur son épaule droite il y a un singe, un cadeau de Diego. Frida a peint un autoportrait à offrir à son amant, le photographe Nickolas Muray. Cependant, après avoir divorcé de Rivera, il a dû vendre le tableau pour engager un avocat. Pour le remplacer, Frida a peint cet autoportrait.

Sans espoir

“Je n’ai même plus le moindre espoir… Tout bouge au rythme du ventre”. Cette phrase est écrite derrière le tableau qui date de 1945, quand Frida devait rester au repos complet et maintenait un régime de purées toutes les deux heures pour faire grossir son corps, parce que le manque d’appétit, conséquence des opérations et des maladies l’avaient rendue extrêmement maigre. Frida a représenté dans cette peinture à l’huile une structure en bois qui tient un entonnoir qui la nourrit continuellement, souligne le crâne de sucre au sommet de l’entonnoir et la couverture qui couvre son corps décoré avec la vie microscopique.

Deux nus dans une forêt

Ce tableau de 1939 était un cadeau pour sa grande amie Dolores del Río, et il existe de multiples théories concernant sa signification. D’un côté, il y a ceux qui affirment qu’ils ont des motifs qui montrent leur bisexualité, puisque le tableau montre deux femmes nues observées par un singe ; un symbole du péché et de la sexualité animale. D’autre part, on prétend qu’elle présente en réalité la dualité raciale de Frida, de l’Inde européenne et mexicaine ; “la femme qui réconforte et celle qui a besoin d’être consolée”.

Autoportrait à la frontière entre les États-Unis et le Mexique

Nostalgique de son pays, Frida a peint ce tableau en 1932, dans lequel elle montre ses sentiments mitigés envers les Etats-Unis, et le centre de l’image reste comme une statue sur un piédestal entre différents mondes. Il tient un drapeau mexicain sur son côté droit, dans lequel il y a de multiples allégories du Mexique : couleurs naturelles, plantes, pyramides et pièces préhispaniques. A sa gauche, les symboles des Etats-Unis : les couleurs grises, le drapeau américain, une grande usine et des gratte-ciel. Le piédestal dit “Carmen Rivera a peint son portrait en 1932” ; Carmen était le nom de baptême de Frida.

Autoportrait de Tehuana (Diego dans mes pensées)

Habillée en Tehuana, Frida a peint en 1943 un portrait de Diego sur son front, qui à l’époque avait de multiples infidélités, tandis que Frida a développé un amour obsessionnel pour lui, avec le seul désir de le posséder dans son intégralité.

La colonne brisée

Contrairement à la grande majorité des autoportraits de Frida, celui-ci, peint en 1944, l’expose sans aucun ornement : chats, singes, perruches, feuilles ou plantes. Frida apparaît seule devant une longue prairie irrégulière, pleurant sous un ciel orageux. Pour cette année, Frida a dû porter un corset d’acier pour soutenir sa colonne vertébrale. Une colonne vertébrale ionique endommagée sert de vertèbre principale à Frida, et de multiples ongles se trouvent dans le corps, le plus grand dans son cœur, endommagé par Diego.

Moïse (Le noyau de la création)

Cette œuvre, peinte en 1945, a été commandée par Don José Domingo Lavin, qui a demandé à l’artiste de lire le livre de Sigmund Freud Moïse, l’homme et la religion monothéiste et de peindre ensuite son interprétation. Dans ce tableau apparaît la figure centrale d’un bébé qui ressemble à Diego Rivera et dont la naissance est représentée sous un soleil, pourvoyeur de vie et escorté par des dieux et des héros de l’humanité, le tout embrassé par les mains de la mort qui embrassent tout.

Le cerf blessé

“C’est là que je vous laisse mon portrait, afin que vous me gardiez à l’esprit, jour et nuit, que de vous, je suis absent. La tristesse est dépeinte dans toute ma peinture mais c’est ma condition, je n’ai plus de sang-froid”, “seul le cerf marchait tristement et très blessé, jusqu’à ce que dans arcady et lina trouve chaleur et nid”.

Cadeau de mariage pour ses amies Lina et Arcady Boyter, Frida a peint ce tableau en 1946, dans lequel le corps d’un cerf était peint et sa tête couronnée de bois. Le cerf est transpercé de flèches et de saignements, regardant vers le spectateur, tandis que derrière lui se trouve une voie de fuite. Les érudits de l’artiste ont affirmé que le sens de cette œuvre réside dans la déception de Frida après une opération de la colonne vertébrale qui aurait pu guérir son mal de dos, mais à son retour au Mexique, la douleur physique n’a pas cessé.

Vivre la vie, pastèques

Huit jours avant sa mort en 1954, Frida a pris le pinceau, l’a plongé dans la peinture rouge et a écrit “Viva la Vida – Coyoacán 1954 – México”. D’après les peintures de ses dernières années, sa santé s’est détériorée à cause de son état et des injections constantes de Démérol et de Morphine, Frida aurait peint ce tableau en 1952. Cependant, convaincu que ses jours étaient comptés, il décida d’écrire sur le tableau pour faire ses adieux.

Quatre habitants de Mexico

1938. Ce tableau, qui montre une petite fille vêtue de Tehuana, un Judas, une idole féminine précolombienne, un squelette d’argile et un homme de paille sur le dos d’une peluche, est le seul de la collection de Frida qui a des ombres. Élément qui permet aux figures de se relier les unes aux autres, dans un carré près de la Maison Bleue. Le titre correspond à la conviction personnelle de Frida que “trop de révolution a laissé le Mexique vide”.

Les deux vendredis

En 1947, ce tableau est devenu le plus cher vendu par l’artiste de son vivant ; il a été acheté par INBA pour 4 000 pesos. Dans cet autoportrait particulier, l’artiste mexicaine présente ses deux personnalités : à droite, la Frida respectée et aimée de Diego vêtue en Tehuana, et à gauche, une Frida européenne en robe de mariée victorienne, que Diego a abandonnée. Les cœurs des deux femmes sont en vue, bien que les cœurs de la Frida européenne soient vides et reliés à un portrait de Diego à une extrémité sur les genoux de la Frida mexicaine. A l’autre extrémité, la veine est coupée par un ciseau. Frida a admis dans la vie que ce tableau reflète les émotions entourant le divorce de Diego.

Autoportrait aux cheveux courts

“Si je t’aimais, c’était à cause des cheveux. Ahora que estás pelona, ya no te quiero” (Maintenant que tu es chauve, je ne veux plus de toi) peut être lu en haut du tableau, un vers qui appartient à une chanson mexicaine populaire. Dans ce tableau, qui date de 1940, après le divorce du couple d’artistes, Frida abandonne son image féminine : elle se coupe les cheveux, accroche ses robes et utilise des vêtements masculins, ne laissant que les boucles d’oreilles comme attribut féminin. La preuve en est ce tableau dans lequel Frida apparaît entourée de mèches de cheveux, assise sur une chaise et portant un costume qui lui va bien, peut-être Diego.

Quelques petites bouchées.

En 1935, des journaux mexicains rapportent la nouvelle d’une femme assassinée par jalousie, dans laquelle l’assassin se défend devant le juge en disant “mais il n’y a que quelques morsures. La note a servi d’inspiration à Frida pour qu’elle incarne sa propre souffrance dans le corps d’une autre femme. Le cœur brisé par l’infidélité de Diego envers sa jeune sœur, Cristina, l’artiste mexicaine a saisi ses sentiments dans ce tableau.

Ma naissance

En 1932, inspirée par son mari qui lui suggéra de documenter les événements les plus importants de sa vie, Frida commença la série avec ce tableau. Une grosse tête émerge de l’utérus de la mère, qui dégage une grande quantité de sang et fait peut-être allusion à l’avortement ponctuel subi par Frida à l’époque. De plus, la tête de la mère est recouverte et, par contraste, on peut voir un portrait de la Virgen de las Angustias, “poignardée par des poignards et des pleurs. La Gospa regarde la situation, mais ne peut rien y faire.

Le suicide de Dorothy Hale

“A New York, le 21 octobre 1938, à six heures du matin, Mme Dorothy Hale s’est suicidée en sautant d’une fenêtre très haute de l’immeuble Hampshire House. En sa mémoire (…) ce retable ayant été exécuté par Frida Kahlo”.

La carrière de l’artiste Dorothy Hale a pris un tournant après le décès de son mari dans un accident de voiture, ce qui a provoqué une crise dans la carrière de l’actrice et de multiples problèmes financiers. Vêtue de sa robe noire préférée et d’une broche rose jaune, l’actrice a sauté par la fenêtre de son appartement. En 1938, Frida est chargée de peindre un portrait de l’actrice à la demande de Claire Boothe, une amie de la mère du défunt, pour laquelle l’artiste mexicaine a peint le corps au bas du tableau. Horrifiée par la représentation picturale du suicide, Claire a pensé à détruire le tableau, mais a finalement décidé de le garder. Le tableau n’a pas été vu pendant plusieurs décennies, jusqu’à ce qu’il apparaisse mystérieusement devant la porte d’entrée du Phoenix Art Museum.

Autoportrait dédié à Léon Trotsky

“A Léon Trotsky, avec tout mon amour, je dédie ce tableau le 7 novembre 1937. Frida Kahlo à San Angel, Mexique” peut être lue dans la petite note que Frida porte avec elle. Le portrait, peint dans des couleurs chaudes et douces, “montre une Frida belle, séduisante et confiante”. Ce tableau ornait l’atelier de Trotsky dans la Maison Bleue, jusqu’à ce que Trotsky emménage dans sa propre maison et laisse le tableau à la demande de sa femme.

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